音樂製作流程

2019年8月22日 17:53
每一首歌曲,在音樂的產製過程中 都有其工作流程:
步驟一:Creating creating這件事,就是一件「 先做什麼最沒限制,越後面做的限制越多 」的東西,舉個例子來說好了,我們先寫了詞,後譜曲時就會被詞的字數給限制住,因此只能做出比較特定的旋律出來。相反地,先寫曲子,再填詞,後來填的詞就會被曲子給限制住,所以並沒有說一定要先寫曲再寫詞,亦或者,先寫詞再譜曲。完全是依照自己喜歡怎樣做,最後做出好聽的音樂就好了。 因此,統整於下,作一首流行歌可以有三種方式 (1)先作曲、再填詞 (2)先寫詞、再譜曲 (3)曲與詞同時進行創作 沒有一定的對與錯,端看自己喜歡用哪種方式來創作。當然,也有很多玩創作樂團的,是用jam的方式來作歌的 / 附註 / Jam就是指即興表演音樂的意思。舉例來說:如果使用此種方式寫歌,可以固定四個和弦開始,團員藉由這四個和弦形成一個Loop,不停循環這四個和弦,讓團員即興使用這四個和弦來做演奏,最後就可以很快的做出一首歌。 至於常常看到有人問要怎麼配和弦的這件事: 其實在大學音樂系中,有兩門課,分別是和聲學、對位法。這兩門課教的就是利用理論來推算出哪些音應該搭配哪些音聽起來才是對的。我是覺得如果有想要以理論去學習怎麼配和弦的這件事,可以去找音樂系的和聲學、對位法原文書來讀,或請一個音樂系作曲組的家教教你。而另一種比較笨的方法就是每個和弦都按按看,聽哪個和弦配起來不錯,那就用那個和弦,這也是一種方式。你不用管是用什麼方法做的,只要最後成果是你要的,那就是好的方法。重點是你要想出方法去解決你現在遇到的問題。 步驟二:製作Demo Demo即是指「音樂的樣品」。簡單來說,在你進錄音室錄製唱片前,所做擁有音質瑕疵或作曲編曲做到一半的音樂作品都稱作demo。我們通常會使用DAW(編曲軟體)將大概的idea錄音下來、然後做簡單的做編曲,或者用手機將你剛剛想到的想法錄音錄下來,這些東西都可以叫「Demo」,製作DEMO,一方面,是為了紀錄你的idea,一方面也是讓他人清楚你的idea,在我們錄音前,我們在排程時都會給錄音師聽聽看Demo,好知道錄音的方向為何。 而在錄音室準備要錄音時,大部分錄音師都會要求製作人給工作帶。 「 什麼是工作帶?」 工作帶,英文名guide track。是指在錄音時,給樂手對拍用的Demo檔案。而在此,工作帶錄的拍子需要非常穩,可以用Midi或宅錄的方式先處理好,主要目的只是要提醒樂手音樂的各個段落和情緒,另一方面也可以讓音樂製作人或錄音師檢查樂手有沒有彈錯,需不需要補錄。以實例來解釋:有一個樂團準備來錄音室錄音,有鼓手、吉他手、貝斯手、主唱這四個人,採用分軌錄音的方式進行錄音(簡單來說就是分開錄),假設第一個人先錄鼓,在沒有工作帶的情況下,鼓手錄音只能聽click(節拍器)錄完整首曲子,並在內心自我想像著這首歌的每個段落,而當錄音師或製作人突然說要補錄哪個段落時,在沒有工作帶的情況下,樂手常會不知道錄音師或製作人在說哪裡。此時,如果有工作帶,樂手就可以聽著事前宅錄好的工作帶邊聽邊跟著錄音。但如果樂手記憶很好,在很多時候,也不需要工作帶,就可以直接進行錄音。 ------- 步驟三:編曲 很多人還搞不懂編曲、作曲的差別。所謂的作曲就是你現在亂哼作出一個世界上還未誕生的旋律就是「作曲」。而編曲就是指你今天作曲所哼的「旋律」加上不同的樂器伴奏。例如將你亂哼的旋律加上爵士鼓、木吉他、貝斯,這即是「編曲」。而編曲不是隨便加幾樣樂器那麼容易,那關乎到「曲風」、「音樂的層次感」、「音樂呈現的感覺是怎麼樣」等。往往會比作曲複雜許多。 而很多人在編曲的過程中,常常會有我做不出我想要的音色的問題。 我會推薦去扒帶,所謂的扒帶就是指「利用人耳對一首樂曲反覆試聽,進而將這首歌重新利用你的電腦音源重新製作跟他99%像的東西」,我想用影片解釋會比較好:
至於編曲要怎麼編才好呢? 其實有看過Billie ellish訪談的人,會知道他其實對將歌曲分類這件事很反感。身為一個有創意的音樂製作人,重點不是被曲風給框架住,而是你想要做什麼,就去做什麼。你不用管你要做什麼曲風,你只要知道這是你的style就對了。後人要怎麼去區分曲風,你就讓他們慢慢浪費時間去分你的創作是什麼曲風。重點是你想要說什麼,你的音樂就是你的,而不是被歸類於別人的影子下。
------- 步驟四:錄音排程 就是指錄音師與客戶預約時間。例如:錄音師與客戶討論8/1要錄木吉他,8/2要錄人聲,進度要怎麼樣,這即是錄音排程。而錄音室是如何計算價格的? 通常來說,大型錄音室大多是以「小時」為單位計價,而每一家錄音室應該都大同小異,一小時2000元跑不掉,所以錄幾小時就多少錢。至於實際上多少錢,就可能得自己做功課去各間錄音室官網上挖掘。 步驟五:Recording(錄音階段) 所謂的「 Recording 」,就是實際到專業的錄音室中錄音。而通常,在錄音室中錄音,都會提供兩種作業方式給客戶選擇。第一種是分軌錄音;第二種是同步錄音。 ------- 1. 分軌錄音 所謂的分軌錄音,簡單來說,就是每個聲音在不同時間單獨分開錄,並在全部樂器錄好的情況下,將每個聲音疊加成一首歌的錄音方式。舉例來說:要錄一首歌,裡面有主唱、爵士鼓、木吉他、貝斯。錄音師就會先請鼓手先進錄音室錄音,並搭配事先錄好的工作帶或是只放節拍器給鼓手錄鼓。錄完鼓後,再請貝斯手進去錄音室錄音,錄好後在請木吉他手錄音,依此類推。最終再將各個音軌疊加起來成一首歌。這就是所謂的「分軌錄音」。 而分軌錄音的優點是:若採用此種錄音方式,其中一個樂手彈錯,只要那個樂手重錄就好,不用整團重錄。除此之外,在做混音時,樂器收音也較少串音問題,後製時音源也會較乾淨好處理。而缺點是:有可能會花較多的時間做錄音,對於客戶來說較燒錢,畢竟在錄音室中每一秒都是錢。 而通常在錄音室中會看到錄音師提供樂手補錄幾個音或段落。這個手法在錄音室中被稱作「剪音補錄」。當然,並非每個音都可以補錄,很多時候一氣呵成往往比剪音補錄自然許多。因此很多錄音師都會希望樂手就在源頭把它錄好,而不是靠後製在那邊修。 至於,錄音師是如何處理剪音補錄呢?首先,在聽覺上都會希望聲音是完整的,不希望聲音有突然不見或斷一半的情況發生。舉例來說,在剪人聲時,很多聲音尾巴的氣音如果剪掉,會聽起來非常古怪,如下:
或許你在視覺上會覺得那邊應該沒聲音,剪在這裡會沒有問題,但其實用耳朵聽會發現有些微的氣音在這裡,如果剪掉會造成聲音斷一半,不完整的狀況。除此之外,也不可以剪在有聲音的地方,如下:
如果你將後半段拿去補錄聲音,這樣一定也會很奇怪,聲音被斷一半,兩邊聽起來一定會很不自然。而人聲剪音時,也不可以把吸氣聲剪掉,雖然的確是有錄音師會剪呼吸聲,但他這麼做通常都是為了符合他作品的一些理念和想法,並不是大部分錄音師都這樣處理。以我的觀點,我認為吸氣聲是一個非常重要的聲音,因為每個人唱歌一定都會換氣,不可能有人現場唱歌是不換氣的,如下:
這樣的作法我個人主觀認為不太妥當,剪音補錄是要維持聲音的完整性和自然為前提去處理的,因此正確的剪音方式應該是在完全沒有聲音的地方剪,中間再去拉crossfade,這樣聽起來才會是自然、完整的聲音,如下:
而每個聲音的開始與結束,也要記得拉fade in 與 fade out在沒有聲音的地方,如下:
因為每個聲音都一定會有底噪(noise floor),即使你耳朵聽不出來或音響播不出來很小的底噪,但那些看似沒聲音的地方其實都是有聲音的,所以會需要淡入(fade in)、淡出(fade out)來處理聲音。 ------- 2. 同步錄音
所謂的同步錄音,簡單來說,就是每個聲音在同一時間並行錄音的方式,如one ok rock 的 heartache這首歌,雖然各個聲音還是分軌紀錄,但其實這樣的手法會產生許多的串音,舉例來說:收木吉他的麥克風也會收到一點點木箱鼓的聲音。所以,在使用同步錄音時,錄音師會有兩種做法。一、請樂手到不同的錄音室(不同房間)錄音 ,這樣的做法是因為各個樂手在不同空間同時演奏,自然就不會有串音的問題。二、在同一個空間,利用麥克風的指向性或移動式聲學障板來減少串音的產生。在大型的錄音室中,通常都會有移動式聲學障板(如下圖),一方面是處理空間殘響,另一方面是能在同一個空間中切割出多個錄音空間,而障板上透明玻璃的設計,是為了能夠讓樂手看見彼此而做。那為什麼很多樂團會選擇同步錄音,不使用分軌錄音呢?那是因為樂團是講求默契的,他們習慣看著彼此同時演奏,一方面在心理上會比較有安全感,另一方面,因為同時把所有聲音都處理掉,錄音自然會比分軌錄音有效率許多。但是,這也考驗著團員彼此的默契,因為其中一個團員彈錯,整團就要重錄。
至於,錄音師是如何擺放麥克風來在同一個空間同時錄多個音源呢?其實像OOR影片中,那些麥克風的收音位置都是有學問在的。為了避免串音,很多錄音師都會採用麥克風的指向性(polar pattern)來避開收到一些不該收的聲音,舉例來說:收木吉他的麥克風收到人聲的串音,這是錄音師不樂見的。因此在此我們會提到指向性。 「 什麼是指向性? 」 所謂的指向性,就是指麥克風對於來自不同角度的靈敏度。而以下圖片的圓圈代表麥克風可以拾取聲音的範圍: 1. 全指向(Omnidirectional)
2. 心型指向(cardioid)
3. 超心型指向(hypercardioid)
4. 超心型指向(supercardioid)
5. 槍型指向(shotgun)
6. 雙指向(bidirectional、figure of eight)
7. subcardioid(中間的圖): 指介於omnidirectional與cardioid之間的指向
而錄音師會藉由不同麥克風的指向性(polar pattern),利用麥克風收音範圍來避開不想收到的聲音或想收到的聲音。舉例來說,要辦面談,主持人和來賓坐在對面,就可以利用雙指向(Bidirectional)的特性,將麥克風放在主持人和來賓的中間,同時收主持人和來賓的聲音。或是在錄人聲時,旁邊有冷氣聲,就可以利用心型指向(cardioid)來避開來自後方的聲音。同步錄音亦是如此想法去避開串音的。 ------- 而在進錄音室錄音,一般來說大型錄音室都會有三個空間的設計,分別是「會客室」、「控制室」和「錄音室」。所謂的會客室,簡單來說,就是給樂手休息的地方。舉例來說,有些會客室只有泡咖啡的吧台,和一些音樂雜誌可以看,沒什麼娛樂。而有些會客室會有SWITCH或PS4可以玩,還有沙發可以躺,當然也有那種完全沒會客室的錄音室。
/ 瓦器錄音室的會客室 / 而所謂的「控制室」,在錄音室中通常會講control room。在control room中,通常會有錄音師和音樂製作人在其中。錄音師的工作就是使用此空間的器材來幫樂手錄音,而音樂製作人的工作就是跟錄音師和樂手講,哪些地方他覺得怎麼錄會更好,並藉由talkback麥克風跟樂手說明哪個段落需要再重錄。
/ 強力錄音室的控制室 / 而所謂的「錄音室」,在錄音室通常會講recording room。就是給樂手錄音的地方,當然,一間錄音室可能會有很多間recording room,可以提供給客戶同步錄音,通常在recording room,樂手都會帶監聽耳機以便聽節拍器和工作帶,而通常也可以尋求錄音師協助將他錄的聲音同步在耳機裡播放。而很多樂手會依照他們的習慣,選擇耳機帶一側另一側不帶,或是兩側都帶。只帶其中一側的原因是因為歌手可以直接聽到自己直接發出的聲音,也可以同時聽到錄音後的聲音。這樣的做法主要是看樂手本身的喜好。而通常,recording room和control room之間都會隔著一道玻璃讓錄音師和樂手可以看到彼此,以方便溝通。
/ 112F 錄音室的recording room / ------- 錄音階段常見的問題: 1. 我如果想宅錄,我會需要什麼器材?
2. 有什麼推薦的麥克風嗎? 答:我認為這種問題,親自靠耳朵去判斷比較好。因為「盡信書不如無書,信別人不如信自己」。只要你用這隻麥克風錄出來聲音是好聽的,對於你而言就是好的麥克風,不管它多便宜。同樣的,一隻麥克風錄出來聲音是難聽的,無論多貴,無論別人說得多好,對你而言就是毫無意義的。再問別人推薦什麼時,不如問自己喜歡什麼聲音,再去挑選你想要什麼麥克風。重點是你想要怎樣的聲音,你開心用什麼就用什麼。如果以我的觀點,我會建議多去youtube或借錄音室多聽幾隻麥克風,慢慢比較差別,在看自己喜歡什麼再買。別因為別人說什麼就去買什麼。因為別人喜歡的,你不一定會喜歡。 3. 線材到底是要越短越好?還是越長越好?越粗越好?還是越細越好? 答:除非有特殊考量,通常越短越好。越短的線材等於較短的天線,所吸收的RF射頻雜訊比較少。越短的線材受到導體本身優劣的影響也比較小,阻抗也比較低。尤其是喇叭線,如果越長,因為天線吸收到的雜訊也越多,對聲音表現有負面影響,而且喇叭線越長,導體本身的阻抗數字也越高,這些都不利於聲音表現。至於線材的粗細不能只看外觀,還要看內部的導體線徑粗細與股數多寡,因為有些外觀很粗的線材,其實內部導體並不粗,只是使用多層填充物、絕緣層和屏蔽層。有些線材的外層並不多,但導體本身粗。所以判斷線材好不好,應該要裝上音響系統用耳朵聽,而不是用眼睛看。如果以導體粗細來講,越粗越好,越粗代表阻抗越低,可以輕易通過更多電流。當然,也有一種說法是導體越粗集膚效應越明顯,所以越粗未必更好,要有限度。 4. 我做音樂要用什麼電腦?一定要用Mac嗎? 答:不一定要用Mac。舉例來說,這個問題就像是你再問一個傳說對決愛好者,我玩傳說對決一定要買iphone嗎?當然不是。samsung也可以玩,正常人應該不會為了玩傳說對決特地去換一台手機,就像你不會為了做音樂特地換一台蘋果電腦用,當然,也有少部分人為了打遊戲去換手機,這比較主觀,就像是有人會為了做音樂,會去買mac。而堅持使用蘋果電腦的一派,他們的支持點其實是蘋果電腦比較「穩定」,不容易當機。並不是說window系統就不能做音樂,不能用編曲軟體,像是protools,cubase 這些專業的DAW在window上也是可以用的。但如果你是 logic pro x 的使用者,只有蘋果能用,因為這個軟體是for mac的。總結來說,你手邊有什麼電腦就用什麼,不用特地去買一台mac,但如果你很在意當機,那就去買吧。 5. 我想做音樂,我要用什麼軟體? 你如果只是想錄音玩玩而已,大可用手機錄就好。但如果你想後製你的聲音,或想學習錄音、混音,你就會需要一個DAW(digital audio workstation,數位音樂工作站),簡單來說就是錄音軟體、混音軟體。在市面上,有很多DAW可以供你選擇。而每個DAW能做到的事都差不多。舉例來說,像是你剪片,你有威力導演、有premiere,有final cut,它們能做到的事都是一樣,就是「剪片」。正如你在做音樂,你有logic pro、有cubase、有protools,它們能做到的事都是一樣,就是「做音樂」。哪個軟體好?這比較是個人主觀和習慣的問題,有些人剪片習慣用final cut剪,有些人習慣用premiere剪。正如做音樂,有些人習慣用protools,有些人習慣用logic pro。絕對不是說用什麼軟體就比較厲害,比較專業,就你習慣用什麼,就用什麼。而在市面上較知名的DAW有以下這幾種:Logic pro x(for mac)、Protools 、Cubase、Ableton live、Studio one、GarageBand(Logic pro的簡化版)、Cakewalk sonar、fl studio、Reaper。 6. 我要如何錄.......樂器? 網路上或很多宅錄新手會亂教別人錄音方式,跟別人說錄音要距離音源幾公分,要怎麼擺,這樣錄音才是對的,以上都是屁話,不要聽他的。在錄音室中,錄音師麥克風怎麼擺其實是取決於耳朵聽,而不是用看的。舉例來說,收木吉他,麥克風擺不同的位置都會有不同的音色產生,重點是錄音師想要什麼音色,然後拿麥克風掃過樂器表面,看哪個地方的音色他喜歡,那才是他要的收音位置(在音樂中,會稱那個點叫sweet spot)。或許你看有些錄音師收音方式很怪,但是收出來的聲音就是很棒,說實在的,他這樣收就是對的。我想,要怎麼錄......樂器,你就帶著你的麥克風慢慢試哪個位置錄出來的聲音是你要的,那就對了。 ------- 步驟六:Edit 在這個階段當中,像是修節拍、修音準、把錄音完不需要的noise處理掉都是這個階段該做的事。而以上我所說的Edit要怎麼處理,其實訣竅就是用耳朵聽,聽起來是自然就對,不自然就不對。沒什麼很深奧的秘密。只是我本身因為是讀傳播學院,常常會看到有人拍片音訊處理的很糟,稍微講一下常見的幾個問題: 1. 我去戶外拍片,風切聲超大,我要怎麼避免? 答:基本上,想要避免風聲,可以使用「兔毛」防風罩,它可以讓風聲大幅度的減小(如下圖)。但一定還是會錄到一點點。再來,也可以使用指向性避開風聲,這也是一種作法。當然後製也可以把風聲處理掉,像是使用EQ或使用Gate等工具,都可以處理掉一部分的風聲和雜音。可以多利用這些效果器。而收環境音時,最好使用stereo miking技術,所謂的stereo miking是指同時使用兩隻麥克風以上做收音,至於stereo miking要解釋起來可能又要很大的篇幅。舉例來說:MS、XY、Blumlein array、AB、Decca tree、ORTF等都是stereo miking的技術。這樣的技術可以製造自然的音像,而不是mono(單聲道)的。對於收環境音較自然,可以去看以下影片:
2. 修音準是什麼?
3. 在Edit時,如何處理相位問題? 我們在國中時都有學過兩個波相加會抵消或變大這個東西。在音波上也是同樣道理。你可以去實驗用合成器製造兩個sine波,相反180度疊再一起播放,你會發現你的音響會完全沒聲音。因此在處理小鼓兩隻麥克風收上下鼓皮的狀況或是貝斯同時收音箱和DI的聲音時,要記得事後都要去對齊兩軌的聲音使其相位一致,要不然反相的聲音會聽起來很不舒服。
------- 步驟七:rough mix 所謂的rough mix是指「粗略地混音」,也就是大概調一下音樂的balance給客戶聽一下未來混音的走向。然後問製作人,他想要的音樂是不是之後要往這個方向走。這在錄音室中是蠻常見的一個名詞。而很多人會把電音製作人所做的混音和做唱片所做的混音搞混。事實上,電音製作人所在做的混音稱作Remix,就是將一首歌重新編曲,編成另一種風格,重新混音一遍,這是DJ或一個producer在做的事,舉個例子來說:
remix過後會變成
這件事叫做「Remix」!比較偏重新編曲的概念。 那什麼是在做唱片的mixing? 所謂mixing是指將各種樂器做balance,做effect,做頻率分布等事。因為在錄音時,我們會獲得很多音軌,例如:音軌1是vocal,音軌2是吉他等等,甚至好幾百個音軌都不誇張,然而,這麼多的音軌,可能是使用不同的microphone,不同的preamp,出來的音色和聲音大小都大不相同,在mixing時,我們就是要將這些不一致的音色,調起來是融合在一起的,各個樂器之間音量大小有balance,這件事就叫做mixing。 ------- 步驟八:mixdown 所謂的Mixdown是指混音階段完成的意思。 很多人認為混音師是神,以為很鳥的歌經過混音師會變得很好聽,這想法其實不太對。舉例來說:你可以把混音師想像成化妝師,如果客戶是一個很醜的人,也許化妝可以變得稍微好看,但本質還是很醜...。而一個很漂亮的人,不用化就很好看,因為他本身就很好看。放到音樂上也是,一首歌的好與壞,通常在編曲階段就決定了,再厲害的混音師,不可能把一個錯誤的編曲,美化成一段動人的音樂。舉例來說,你在混音時看到lead vocal和guitar solo同時出現,使人在聽音樂時不知道要專注聽哪個的這種情況,這種情況不應該奢求混音來處理這個問題,而應該倒頭回去處理編曲問題。因為源頭本身就有障礙...。而身為一位專業的音訊工程師,不要什麼都丟到後期用修的,源頭不對應該去處理源頭,而不是靠後期彌補錯誤。 在Bobby owsinski所著的the mixing engineer's handbook中有提到業餘混音中常見的七個常見的問題,我用我的爛英文能力稍微翻譯一下這本原文書的內容。 常見的業餘混音問題有: 1. No contrast(沒有對比):整首曲子沒有層次感 2. A frequent lack of focal point(頻率中缺乏焦點):業餘的混音應該注意每個段落都要有一個重點,來維持聽眾的注意力。 3. Mixes that are noisy(混音聽起來雜訊過多):業餘的混音常沒處理clicks、hums、環境底噪等不該有的雜訊在音樂中 4. Mixed that lack clarity and punch(混音聽起來不夠清晰,缺少punch):業餘的混音有些聲音聽起來太虛或太strong 5. Mixed that sound distant and are devoid of a feeling of intimacy(聲音整體聽起來很遙遠,沒有近在眼前的感覺): 業餘的混音常因為reverb或其他原因造成整體聲音很遙遠 6. Inconsistent levels(不穩定的動態範圍與音量):業餘的混音常常聲音聽起來忽大忽小、不同段落或樂器間落差過大 7. Dull and uninteresting sounds(聲音聽起來很遲鈍、不有趣) 而一個好的混音應該要具備六個元素: 1. Balance(平衡):每個樂器之間的音量大小關係 2. Frequency range(頻率範圍):所有頻率適當地呈現 3. Panorama(全景):所有樂器放置在音場中的位置 4. Dimension(體積、尺寸大小):增加樂器上的空間感(Ambience) 5. Dynamics(動態):每一軌或樂器間的動態大小控制 6. Interest(有趣度):讓混音聽起來很棒 很多業餘的混音者混音時只具備四到五項元素,但這些元素對於一個好的混音來說是相當重要的,而每個元素都同等的重要。 而講完這個,我想,也有很多人會對類比混音和數位混音有所疑問: 目前台灣大部分錄音室都還是採用一半類比一半數位混音的,當然也有看過某些錄音室是採用全數位混音。而影響混音師採用數位、類比的決定性因素是什麼...? 「 他爽這樣做.....。」 但撇開主觀的想法,以客觀的角度去思考,其實音訊過類比器材都會有聲音渲染,因為內部電路元件不同,產生出的聲音也會有所不同。因此,有些混音師就會很喜歡這種很類比的聲音,他們覺得這種類比的聲響才是好的。而數位化的plugin軟件,大部分都是模仿那些類比器材的聲音,去用電腦運算製造出一個很像那個器材音色的聲音。但說真的,這些plugin終究還是模擬的,雖然現在科技很發達,plugin都做的越來越厲害,但結論:他還是模擬的。那為什麼這樣聽起來類比混音會比較好,數位混音好像沒那麼好呢?其實也不是這樣說。事實上,使用類比混音時,假如你要使用一台實體1176的Compressor,你如果有十個音軌都要insert這台Compressor,那你就要買十台1176,除了很貴外,你要去接這些compressor的input、output線也要花很多時間,雖然大型錄音室都有patchbay可以快速接線,但還是會浪費很多時間成本。而且旋鈕轉的刻度機器還不會自動記憶,你換另一個專案做時,還要拍照,然後看著照片把那些機器轉回去剛剛刻度在的地方,這樣很麻煩。而使用數位混音只要滑鼠點兩下就好了,電腦還會記憶你刻度轉到哪裡幫你存檔。這比起類比混音便利許多。 ------- 步驟九:mastering 所謂的mastering即是指母帶製作。而何謂mastering? 所謂的mastering,舉例來說:假如一張唱片有十首歌,這十首歌可能由不同的producers,於不同的錄音室,分別處理。而mastering就是將這些不同因素所導致的聲音差別,調整成一致。例如,音量上,可能有些歌特別大,有些歌特別小。音色上,不同的歌,高中低頻差距太明顯。此時母帶工程師就要去處理這些問題。 而在游士昕 混音工程與製作這本書中有提到: Mastering 會有四個大目標 1. relative level balancing between songs 當我們在播放同一張CD時,儘管整張專輯裡面有超過兩種以上的曲風,但每首歌曲的音量大小都是差不多的,並不會因為結束了這首曲子跳換到下首歌曲時,出現音量斷層,這即是mastering的目標之一 2. dynamic level 增大音量(或是說是提高整體的動態水平比較恰當)是mastering中很重要的目標 3. qualization mastering engineer需要檢查錄音師忽略掉的頻率,或者造成某些out of phase(反相抵銷)的問題,此時mastering engineer就要出來再調整一次,使聽眾能夠聽到更細緻的聲音頻率 4. song sequence editing 因為數位時代的流通,聲訊有太多導出方式,因此,mastering該注意到的問題是:市場相容性。mastering engineer要了解並認識音樂在市場上的定位及每一個案子應該輸出導向的位置。是傳統CD市場?黑膠唱片市場?線上音樂串流?等 ------- 步驟十:tableting 簡單來說,就是製成唱片給唱片行銷公司。但現在台灣的音樂圈其實越來越多獨立樂團,自己製作,自己行銷。也越少人使用CD聽音樂了,大部分都使用串流音樂或youtube在聽音樂。這算是一個時代的改變。因此身為一位音樂人,學數位行銷顯得越來越重要。而現今台灣的網路科技非常發達,很多人都會因網路而快速爆紅。我也看過很多很棒的樂團或音樂人,明明音樂做的超屌的,但其實不太懂行銷,所以一直沒沒無聞。真的很可惜。但如果是沒實力,又一直瘋狂行銷、打廣告,其實又會導致閱聽眾反感。我想很多人,除了埋頭弄音樂外,不仿去花時間研究一下行銷。 ------- 至於,學數位音樂相關的資源有哪些呢?以下是我曾經看過的書籍和頻道,如果有心想要學習這方面的知識,真的不要覺得只有到錄音室做學徒或要找老師才可以學好,很多人都是自學上來的,也不要覺得讀音樂相關科系的人會很厲害,其實很多人到大學也是都在混,問什麼都不會。以下是我推薦的一些書和頻道: 一、書籍 1. 混音工程與製作 游士昕編著
推薦指數:☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆ 適合讀者:初學音訊工程的人,或基礎功不好的人 語言:繁體中文 讀後感想:在包裝上分兩本,一本是紅色的「混音工程與製作」,講述的是音訊工程的基礎常識;而藍色的「混音大人物」,是參訪各大錄音師、混音師的訪談,記錄著不同錄音師、混音師的看法。非常推薦初學混音或錄音的人,好好把這本書看懂,每句話融會貫通,對學錄音、混音會很有幫助。 2. 現代錄音技術指南
推薦指數:☆☆ 適合讀者:初學音訊工程的人 語言:繁體中文 讀後感想:書中內容很片段,講述的內容支離破碎,很多東西沒講完就跳下一個東西了,比較適合跟其他書搭配著看,然後當補充資料。 3. 圖解混音入門 石田剛毅著、林育珊譯
推薦指數:☆ 適合讀者:初學音訊工程的人 語言:繁體中文 讀後感想:內容不適合花很多時間去讀它,對於書中內容我也是蠻排斥的,因為書中感覺是在教你一千零一招,不管碰到什麼情況都是這樣做, 很容易會讓初學混音的人學歪,而且他的翻譯我覺得也沒很通順。 4. The Mixing Engineer's handbook second edition。Bobby owsinski著
推薦指數:☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆ 適合讀者:對於混音有一定了解想再更精進的人 語言:英文 讀後感想:講的內容非常客觀,非常詳細。而這本書主要的主要收錄內容是混音工程,包括各種器材使用,如何使用,混音時要了解的大原則等,內容很棒 5. The recording engineer's handbook。Bobby owsinski著
推薦指數:☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆ 適合讀者:對於錄音有一定了解想再更精進的人 語言:英文 讀後感想:主要收錄的內容是錄音工程,包括收音的技術、麥克風種類、器材使用、和不同錄音師的看法,也是一本非常棒的書。 6. The art of digital audio recording ( a practical guide for home and studio )。Steve Savage著
推薦指數:☆☆☆☆☆☆ 適合讀者:對於錄音有一定了解想再更精進的人 語言:英文 讀後感想:對於學錄音工程的人會很有幫助 7. Mixing audio concepts, practices and tools。Roey Izhaki著
推薦指數:☆☆☆☆☆☆ 適合讀者:對於混音有一定了解想再更精進的人 語言:英文 讀後感想:對於學混音的人會很有幫助 8. Sound reinforcement handbook。Gary Davis與Ralph jones著 推薦指數:☆☆☆☆☆☆ 適合讀者:對於聲學有想更精進的人 語言:英文 讀後感想:主要是聲學相關的書籍 9. 各種器材型號的user guide 推薦指數:☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆ 適合讀者:你買了一台機器不知道怎麼用的人 語言:不一定 讀後感想:上網查「型號+user guide」,產品說明書都寫的很詳細 10. sound on sound雜誌
推薦指數:☆☆☆☆☆ 適合讀者:有在關注最新器材消息和錄音、混音資訊的人 語言:英文 讀後感想:sound on sound雜誌簡單來說就是雜誌,會一直出新的書出來,然後都會有最新的器材資訊在上面,也會在上面教學器材怎麼使用,和一些人的看法。對於錄音、混音有極大興趣的人可以去訂雜誌來看。 二、Youtube頻道 1. Nicechord 好和弦 推薦指數:☆☆☆☆☆☆☆☆☆ 適合閱聽眾:對於數位音樂有關注的人 語言:中文 心得:這個頻道主要是教樂理、數位音樂科技、編曲等等。然後是台灣的音樂人官大為製作的頻道,他是一位非常厲害且優秀的老師。我也常常看他的影片學習。很推薦給大家看。
2. 葉宇峻彈吉他 推薦指數:☆☆☆☆☆ 適合閱聽眾:想了解吉他的人 語言:中文 心得:這個頻道主要是教怎麼彈吉他,和吉他調音色等。
3. 蒙大树 推薦指數:☆☆ 適合閱聽眾:有想學習訊號線怎麼焊製的人 語言:中文 心得:有興趣可以去網路商城或電子材料店買材料
4. In the mix 推薦指數:☆☆☆☆☆☆☆☆☆ 適合閱聽眾:想深入學習混音的人 語言:英文 心得:這個頻道也是一堆教混音知識的影片,和講述一些他的經驗。
5. Produce like a pro 推薦指數:☆☆☆☆☆☆☆☆☆ 適合閱聽眾:想深入學習錄音、混音的人 語言:英文 心得:warren huart是一位非常知名的錄音師,有得過葛萊美獎,他的頻道影片也是相當的棒
6. Yuri Wong 推薦指數:☆☆☆☆☆☆ 適合閱聽眾:想深入學習扒帶、做伴唱帶或編曲的人 語言:英文 心得:學習扒帶很棒的一個頻道
7. Berklee online 推薦指數:☆☆☆☆☆☆ 適合閱聽眾:想學習數位音樂相關的人 語言:語文 心得:Berklee有很多錄音、混音的相關資訊,應該也是他們平常上課的內容
8. Wickiemedia 推薦指數:☆☆☆☆☆☆ 適合閱聽眾:想學習錄音、混音的人 語言:英文 心得:他的影片超級優質,動畫都做的超棒。然後也把很多基本觀念講解的很好,也有一系列的教程
------- 再來,介紹一下,音樂的工作崗位。有興趣的可以看一下以下影片,我覺得很多人口口聲聲說想要當歌手或音樂製作人,其實實際踏進去那行業才會知道沒有你想像中的那麼好。 1. 錄音師 錄音師,是專門來做 recording 階段事項的專業人員,主要工作事項就是幫客戶「錄音」這件事。然而「錄音」這件事,不是按下錄音鈕那麼簡單而已,無論在為樂手選擇麥克風的型號、選擇搭配哪一種preamp、選擇什麼架設技術、剪音補錄等等各種環節都是要具備很多專業知識的。
2. 混音師 是專門來做Mixdown階段 事項的專業人員,主要就是拿錄音師錄好的DAW專案檔,做mixing這項動作。要怎麼balance各軌的音量比例?如何將聲音的位置Pan到對的地方?在plug-in上要怎麼做創意的表現?Reverb,等等效果器該如何使用,怎麼加是好聽而不會過頭顯得太噁心,修音準怎麼修才不會怪怪的,都是身為一位專業的混音師該了解的知識。
3. 音控師 音控師,是專門做現場表演聲音控管的專業人員。主要是處裡現場表演各式各樣聲音上的問題,很多人都會稱這方面的工作人員叫PA大哥。而PA的意思是指「 public address」,也就是公共廣播的意思。一般大眾所見的音控師都是在音樂表演時,坐在mixer前,根據不同歌手跟樂器,隨時調整聲音。當然除了音控這項工作,音控師在表演前setting,也要考慮到很多事情,包括音響的架設怎麼架設?表演的樂手要用到什麼器材?我要準備什麼器材給樂手?收音要怎麼收?電從哪裡來?signal chain要怎麼接?等等都是身為一位專業的音控師該思考的事。
4. 配音師 像是動漫、影劇很多都是配音師依照演員的嘴型去搭配獨有的音色的。像是以下影片都很詳細介紹配音員這個工作喔~
5. 擬音師 就是我們英文所說的foley。中文翻譯因為有一部電影紀錄片翻foley為擬音師,所以現在都稱這個行業叫擬音師或音效師。說實在的,這個行業在台灣幾乎快絕跡,而這行業的工作內容,是專門收錄音效等的工作。舉例來說,今天有一部電影,要做腳步聲的音效,我們就會請音效師來做腳步聲的音效。遊戲中,射箭、開槍的音效等,也會要請音效師去錄製真槍、射箭的聲音給遊戲製作用,這就是擬音師在做的事
6. 母帶工程師 母帶工程師,是專門來做 mastering 階段 事項的專業人員 母帶後期處理是以全面而非單一歌曲的角度來針對整張專輯做微調,使整張專輯在長時間聆聽下更加協調,這是母帶工程師在做的工作,也就是將專輯,壓片前,做最後的調整。 7. 職業樂手 不用多說,就是具有一定表演能力的樂手。當然這個世界上,樂器強的人數不盡,靠這一行吃飯也是難上加難。而且會被錄音室找去錄音的樂手通常都非常的厲害,一定都有一定程度。因為錄音跟現場表演真的差很多,彈錯或彈出來的音色不對就很有可能要重錄,或被換掉立馬換另一個人錄音,因為錄音室的每一分都是錢,沒有人會想因為你彈錯而浪費彼此的時間。而以下影片你可以看到這些比賽選出來都很厲害的吉他手,在錄音室錄音都花很多時間錄了,就可以了解一下那些可以在錄音室錄音one take(錄一次)就出來的職業樂手,是有多厲害。
8. DJ DJ,也就是Disk Jockey,Disc是指「唱片」 ,Jockey 是指「騎師」的意思,簡單來說就是「唱片騎師」,也就是播放唱片的人。早期的DJ是指電台DJ,也就是在廣播室裡播送音樂給大眾的專業人士,他比較偏重是講話、跟觀眾溝通這件事。到了晚期,DJ這個意思就比較偏現在你在夜店看到的Club DJ,不停的播放唱片、接歌、刷碟、帶動氣氛。
9. Producer 音樂製作人 Producer,也就是製作音樂的本體最開頭的那個人,當然這一行也有分作曲師、編曲師、作詞者等等,像是周杰倫和方文山都是Producer,在錄音室錄音時,Producer常常會在旁邊指導樂手,和跟錄音師、混音師溝通音樂的呈現方式。
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看不懂,先收藏再說
共 22 則留言
看不懂,先收藏再說
這篇太牛逼了 推推👍
國立政治大學
專業給推
太猛ㄌ啦🥰🥰
國立清華大學
是賴神嗎!
伯克利音樂學院 不分系
講的很好
國立清華大學
B5 是那位名字很中二的老師嗎?
國立虎尾科技大學
推起來 太棒了
雪菲爾大學 東亞研究學系
謝謝你分享🙏🏼
國立臺南藝術大學 應用音樂學系
推!!超詳細!
超強 推起來
朝陽科技大學 傳播藝術系
專業!!!
世新大學 廣播電視電影學系
👍
國立臺灣藝術大學 音樂學系
好文推
太棒了 感謝原PO整理!!
B0 專業給推 另外請教有機會合作嗎? 我們HS音樂正在舉辦 #正循環計畫 我們鼓勵粉絲向專業人士學習並分享 我看您分享的內容感受到您對音樂製作的熟悉及熱忱 也願意花這麼多時間來產出高品質的內容 我們經營五年,也有一些心得可以分享 我們只推薦我們認同的事物 秉持著帶新手輕鬆上手 可以愉快的體驗宅錄帶來的樂趣 希望可以跟您合作 您可以看一下這篇文章 我們可以線上聊一下
國立高雄師範大學
這篇也太強大了吧
感謝分享
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感恩這麼豐富的分享
牛逼 受益良多 人好好👍